Музыкантами не становятся, музыкантами рождаются? Каждый когда-либо задавался этим вопросом. Eatmusic побеседовал с разными музыкантами – как состоявшимися профи, так и с самоучками, чтобы узнать, где же кроется правда.
Разделение музыкантов на любителей и профессионалов существует давно. Мы задаемся вопросом, по каким же критериям оно осуществляется: мастерство, коммерческий успех или наличие диплома? Если соотношение двух первых пунктов предельно ясно, то по третьему признаку возникает ряд вопросов.
Диплом потребуется однозначно в трех случаях: вы хотите официально преподавать, вы хотите карьеру в классической музыке, продолжить образование заграницей. Также, есть неоднозначное мнение, что музыканты, закончившие музыкальный ВУЗ могут лишиться возможности творчески мыслить и импровизировать, а станут очередным продуктом системы образования под «гребенку». Насколько нужна корочка современному музыканту, когда она может понадобиться, и настанет ли этот момент вообще?
Я преподаю джазово-эстрадный вокал в Московском колледже импровизационной музыки около семнадцати лет. Колледж широко известен благодаря своим давним традициям и уникальной методике обучения. Среди выпускников колледжа есть джазовые (и не только) музыканты, добившиеся успеха и признания. Высокий уровень музыкального образования студентов, прошедших обучение в МКИМ, дает возможность выступать сольно и с профессиональными музыкальными коллективами на площадках любого уровня. Программа обучения рассчитана на четыре года. Пройдя ее, выпускник получает диплом об окончании МКИМ.
Когда речь идет о профессиональном, а не любительском уровне, то надо понимать, что любая профессия, в том числе и музыкальная, предполагает наличие определенных знаний, умений и навыков. Получить их можно, пройдя системный, комплексный и поступенный курс обучения (музыкальная школа, музыкальное училище (колледж), музыкальный ВУЗ по определенной специальности).
Я знаю людей, которые, не имея специального образования, достигали высокого профессионального уровня в музыкальной деятельности. Это во многом зависит от наличия музыкальных способностей человека, его целеустремленности и умения самостоятельно осваивать специальность, предполагающую комплексные знания, например, знание сольфеджио. Такие люди – большая редкость. Минус самообразования заключается в том, что подойти к овладению специальностью через комплексное изучение дисциплин самому человеку сложно. Недаром существуют определенные программы и методики обучения, разрабатываемые годами.
Российское музыкальное образование долгие года и до сих пор пользуется авторитетом за рубежом. Музыкальных учебных учреждений за границей достаточно много и есть из чего выбрать. Пожалуй, чаще всего едут учиться в США и Германию. В США есть такие школы, как «Berklee College of Music», «The University of Rochester», «The Julliard School» и другие. Место учебы следует выбирать соответственно направленности школы, колледжа или университета.
Я согласна с тем, что не все педагоги учат творчески мыслить и не всегда развивают (не подчеркивают) творческую индивидуальность ученика. Поэтому важно, у кого вы учитесь. Я убеждена, что очень многое зависит от педагога, и если вы попадаете к хорошему педагогу, то приобретаете знания, навыки, и при этом ваша творческая индивидуальность сохраняется.
Музыкантами становятся!
По моему опыту, важнее открытость и готовность взаимодействовать, чувствование себя и желание создать что-то вместе. Если это есть, то даже образование неважно. Профессиональные музыканты не спрашивают, где ты учился, но смотрят на что ты способен. Музыка – это чувственное наполнение общества, и поэтому важно находить действительно свое, уникальное, то, что важно сказать.
Образование бывает настолько гнетущим и несвободным, что и Музыка выходит такая – сдавленная, потерянная в попытках быть “хорошей”. Образование может как помочь познать музыку, так и отбить все желание.
Шансы коммерчески состояться без образования велики. Я знаю несколько таких примеров, начиная с меня. Я всегда любила петь, но образование получила экономическое. Но Музыка нашла меня снова. Если это желание души, отсутствие образования никогда тебя не остановит. Важно получить опыт и найти ключи – к своему голосу, к своей истории, к своему сердцу, значит, и к сердцам людей. И если это случилось, коммерческий успех не заставит себя долго ждать.
Думаю, что разница между любителем и профи только в корочке и, возможно, в каких-то технических возможностях. Это как разница между коренным жителем и приезжим. Коренные обычно имеют привилегии, квартиру в центре, например, а приезжие настроены работать, вкладывать себя. Зачастую от Музыки любителей трогает до глубины души, и ты плачешь от красоты, а технически изощрённая Музыка профи зачастую не пробуждает чувств…
Мне сложно оценивать состояние системы образования в России, но по мнению друзей-музыкантов и людей с классическим образованием, которые приходят ко мне на занятия, система образования кажется закостеневшей. Мы чуть-чуть застряли во времени. На мой взгляд, Англия и Америка – страны с самым прогрессивным мышлением в области искусства и музыки.
Общая «гребенка» и невдохновлённые преподаватели – это бич современного классического образования. Думаю, что главное преимущество самообразования это свобода, а минус – отсутствие дисциплины.
Да, музыкантами рождаются, причем все! Все рождены с музыкой внутри, просто не каждый позволяет себе услышать эту музыку по-настоящему, дать себе время и возможность заглянуть в себя поглубже. Для этих людей мы и занимаемся тем, чем занимается.
Артем Самодуров, джазовый музыкантЛично мне комбинация самообразование/преподаватели подходит идеально
Я выбрал самообразование. Мое первое образование – экономическое, есть своя фирма. Джазом увлекся позднее. Был бы рад пойти учиться в ГМУЭДИ (Государственный музыкальный колледж эстрадного и джазового искусства) на очную форму, но у меня очень мало времени на совмещение – тратить его на такие предметы, как «история музыки ХХ века» совсем не хочется. Поэтому я набрал преподавателей по основным предметам и хожу на индивидуальные занятия. По стоимости получается одно и тоже, а индивидуальный подход и свобода от экзаменов позволяет сделать что-то шире общей образовательной программы. Гармония, сольфеджио, специальность – вот три столпа. Лично мне комбинация самообразование/преподаватели подходит идеально. Сейчас готовлюсь к поступлению в Голландию. Надеюсь, что через два года получится уехать.
Никакие бумаги в этой сфере тебе не помогут, если ты не научился играть музыку. «Лажу» на джеме с классными музыкантами дипломом не прикроешь, а если произведешь фурор своим мастерством, то диплом никто не спросит. Если говорить совсем грубо, то профи – это тот, кто умеет играть все и круто, как минимум в своем направлении.
Если говорить о джазе, то без образования тебе не удастся общаться с другими музыкантами на одном языке. Многие великие джазмены не знали нот, как Чарли Паркер или наш современник двенадцатилетний Джоуи Александр. Но это исключения. Правда между двумя крайностями. Наличие диплома не делает из тебя музыканта и наоборот. Все определяется на прослушиваниях, где важно лишь твое мастерство.
Во-первых, многое зависит от музыки, которую ты играешь. У меня много знакомых-непрофессионалов, которые с авторской музыкой в различных направлениях неплохо зарабатывают в дополнение к основной офисной работе. Во-вторых, если говорить о серьезной профессиональной сцене, где ты играешь и записываешь чужую музыку за деньги, то заработать можно без офиса, но конкуренция невероятно высока. В-третьих, можно самому писать серьезные альбомы с серьезной музыкой, играть концерты и зарабатывать еще больше, но это уже что-то из разряда построения бизнеса. Нужны идеи, свой стиль исполнения и высочайшее мастерство. Плюс маркетинг и раскрутка. Но менеджер Газпрома все равно зарабатывает больше среднестатистического музыканта. Sad, but true.
У нас системы джазового обучения нет. Знания отрывочны, во многом заимствованы из классики и отличаются в зависимости от преподавателя. Наше обучение – это отношения «учитель – ученик». Из уст в уста, можно сказать. Несколько месяцев назад я начал брать уроки у музыканта, который закончил Академию джаза в Голландии. Занимаемся по учебникам Беркли. За эти несколько месяцев я узнал и поставил на место столько знаний, сколько не смог за предыдущие три года обучения в колледже (МКИМ). Хорошим музыкантом ты можешь стать и здесь, есть классные музыканты, но средний уровень музыкантов ниже на порядок. В любом случае, если хочешь стать «фирмачем», то тебе придется делать 200% работы вне зависимости от страны и места обучения.
Что касается зарубежного образования – Codarts Rotterdam в Голландии по программе New York Jazz. Там одни из лучших преподавателей и музыкантов мира, есть знакомые, которые там учились. Хорошее место. Многие уезжают в Berklee, но там берут баснословные деньги.
Тем, кто родился музыкантами, очень повезло, всех остальных ожидает адский каждодневный труд многочасовых занятий!
P.S.: Мнение редакции может не совпадать с мнением респондентов.
Музыкантам, как и любым другим представителям творческих профессий, общество привыкло так активно петь дифирамбы, что иногда создается впечатление, будто жизнь исполнителей и композиторов напрочь лишена изъянов. Не менее десяти лет старательного обучения в учебных заведениях, по-видимому, представляются людям как приятная и увлекательная поездка на аттракционе в парке отдыха. Бесчисленные часы домашних занятий, заучивание наизусть ненавистных произведений, скучное знакомство с теорией и сухая механическая практика – всё это мало волнует человека далекого от музыки. Главное, считает он, что на выходе из учебного заведения музыканта уже поджидает успех, слава и приличные гонорары. Чем не сказка?
В противоположность таким заблуждениям, действительность оказывается куда сложнее и прозаичнее. С трудностями музыкант столкнется на первых же этапах обучения, и разлучиться с ними ему будет не суждено до самого завершения своей карьеры. Впрочем, до собственно карьеры дело доходит только у единиц, остальные в лучшем случае находят себя в других профессиях.
Думаете, утрирую? Если бы. В противовес елейному общественному мнению приведу свои личные наблюдения о сути профессии музыканта. Может быть, где-то я окажусь необъективным или чрезмерно пессимистичным, но таково уж мое личное мнение.
Итак, путь к головокружительным высотам исполнительского мастерства, как правило, начинается с музыкальной школы и репетиторов или самоучителя. Второй вариант заканчивается положительно, только если учащийся осваивает инструмент для игры в поп- или рок-группе. Таких людей можно смело причислять к музыкантам-любителям, но не принижать за это их достоинства – среди подобной публики также встречаются самородки. Однако речь сейчас не о самоучках – у них другие цели и потому трудности, с которыми им приходится сталкиваться, оказываются несколько иного рода.
Что же качается человека, решившего посвятить свою жизнь музыке, то его ожидают долгие годы упорного и беспрерывного труда. Даже если учащийся «горит» музыкой, интересные и полезные занятия с преподавателями будут у него уравновешиваться скучнейшими упражнениями на технику, которым по всем правилам стоит уделять не менее полутора часа в день. Общее время ежедневных занятий – от трех до восьми часов.
Выходных у настоящих музыкантов не бывает. Не жизнь, а праздник.
Если кому-то кажется, что изучить понравившееся произведение можно сразу, разобрав ноты и сыграв его на своем инструменте, то он глубоко ошибается. Разумеется, речь идет не о популярных песнях и мелодиях. Одна из импровизаций Чарли Паркера? Соната Скарлатти? Выучите за день? Предположим. Но хорошо сыграете только через полгода. Для начала необходимо будет добиться полного автоматизма в игре и только после этого приступать к поиску верных интонации.
Короче говоря, с лету сыграть с душой не получится. Не получалось даже у выдающихся музыкантов.
Если человеку вздумалось учиться музыке в провинции, перед ним возникнет еще одна проблема – выбор толкового педагога. Чем дальше населенный пункт расположен от столицы и крупных городов, тем меньше шансов найти действительно хорошего учителя. В случае с маленькими городами вступает в силу негласный закон: кто умеет, тот делает; кто не умеет, учит других. Такие преподаватели не только горазды путать Баха с Бетховеном, но и способны в буквальном смысле нанести вред своим ученикам. Например, нередки случаи, когда в процессе обучения у детей формировалась неправильная посадка, что могло привести к развитию сколиоза и остеохондроза. Не лучший из побочных эффектов обучения музыке. Подобных педагогов, к счастью, не так уж и много, но они еще встречаются в учебных заведениях, поэтому надо быть крайне осторожным при выборе наставника.
Также следует понимать, что если желание стать музыкантом застало вас врасплох уже в юношестве, то развивать технику игры может быть мучительно трудно. У детей организм только формируется и потому все возлагаемые на них нагрузки способствуют развитию слуха, гибкости суставов и подобному. Но уже подросткам приходится в процессе обучения бороться с собственным телом. Как бы то ни было, даже для достижения среднего результата придется много и упорно работать в течение длительного времени.
Встречаются, конечно, и люди, которым обучение дается легче, чем остальным, но такие случаи единичны.
С освоением игры на инструменте и так все ясно – в любом учении тяжелее, чем в бою. Но так ли просто реализовать себя в любимой профессии после того, как отучился во всех возможных учебных заведениях? Как ни странно, и в этом творческом виде деятельности работают принципы, применимые также к другим специальностям. То есть, шансы на полноценную реализацию себя как музыканта зависят не только от стараний и таланта, но и от воздействия внешних факторов. Поясню.
Практически в любой сфере деятельности существует конкуренция среди профессионалов. И чем больше в стране таких людей, тем тяжелее найти себе работу. Высшие учебные заведения выпускают сотни специалистов в год, а места, на которые новоявленные специалисты могут устроиться, исчисляются десятками. Не берем в расчет людей талантливых, чьи способности были вовремя замечены – их карьера, как правило, начинается с юных лет. Но что если человек звезд с неба не хватал: инструмент с горем пополам освоил, теорию вышколил, о практике представление имеет и, несмотря на трудности, видит себя только музыкантом. Между нами говоря, для него все только начинается.
В данном случае больше всего повезет выпускникам эстрадных отделений, потому что им легче кооперироваться. Они могут запросто набрать единомышленников и сколотить собственную группу или бэнд. Другой вопрос, насколько прибыльны такие затеи, ведь помимо игры музыкантам еще надо кушать и одеваться. Мой опыт подсказывает, что даже неплохим исполнителям денег хватает только на удовлетворение базовых потребностей. Sad but true.
Если мечтаете о финансовом благополучии – ни в коем случае не идите в музыканты.
Меньше всего шансов разбогатеть у выпускников классических отделений. Исполнители, композиторы и теоретики просто обречены на безденежье, только если вдруг не случится чудо. Поступить в хороший оркестр, чтобы обеспечить себе стабильный заработок, практически нереально. Работать на одних халтурах – значит быть готовым время от времени голодать. Писать собственную музыку в академических жанрах – смерти подобно. Остается педагогическая деятельность, подработки студийным музыкантом или лабухом в ресторанах, репетиторство или освоение смежных профессий ( , например). Высокая зарплата и широкие возможности для самореализации? Нет, не слышал.
Если человек полон амбиций и жаждет явить миру свой талант, то в девяноста девяти случаях из ста его ждет крах всех надежд, сопровождающийся бездной разочарований. Такие горе-исполнители, в итоге, от невостребованности имеют свойство впадать в затяжную депрессию, которая обычно заканчивается погребением своего эго, мечтаний и радужных фантазий. Если такой музыкант не успеет переквалифицироваться, то вся его творческая деятельность очень скоро мутирует в скучную и бесперспективную рутину.
Там тоже не все так гладко, как хотелось бы. Во-первых, музыка будет отнимать массу времени, что неизбежно скажется на личной жизни. Повезет, только если встретится понимающий партнер, который не станет терзать музыканта за его бесконечную занятость и периодическое выпадение из бытовой сферы. Во-вторых, финансовый вопрос. Как я уже отметил выше, профессиональные музыканты миллионерами не становятся. В-третьих, успешному исполнителю и композитору на протяжении всей своей карьеры придется иметь дело с людьми творческими, а потому не всегда легкими в общении и сотрудничестве. Ну и наконец, чтобы не потерять позиции, музыкант вынужден будет беспрерывно развиваться. И это касается не только оттачивания техники, но также углубленного изучения других видов искусства, освоения новых для себя видов деятельности и других вещей.
То есть, пахать придется без остановки.
Все вышеперечисленные ужасы, на самом деле, грозят далеко не каждому и могут даже обойти человека стороной, если тот чувствует, что самим космосом ему было завещано стать музыкантом. Такое встречается крайне редко, но если уж в голову приходит мысль, что без занятия музыкой жизнь лишится самого главного, то попробовать реализовать себя в этой области наверняка стоит. Да, будет трудно. Зато ничто не сравнится с чувствами, которые переживает музыкант во время игры перед публикой. Да, на яхту накопить не получится. Но разве яхта гарантирует счастливую жизнь? Да, профессиональная деятельность будет отнимать большую часть времени. Но разве настоящая музыка этого не заслуживает?
Пусть каждый сам ответит на все вопросы и решит для себя, чем он готов пожертвовать ради своей цели и что он получит взамен при ее достижении. И если выбор все же падет именно на эту нелегкую профессию, то важно успеть осознать, что надо будет всегда выкладываться по полной, а иначе нет смысла даже пробовать.
Многие люди мечтают стать музыкантами. Некоторые из них имеют природный талант, а другим приходится упорно работать, чтобы совершенствовать свои навыки. Быть музыкантом не так сложно, но и не так легко. Требуется совершенствование практикой и вдохновение. Если вы будете выполнять следующие действия, то получите возможность стать великим музыкантом.
Купите, свой первый инструмент, выбрав тот, который вам нравится. Может быть, вы мечтаете о гитаре или барабанной установке, или, например, трубе. Ваш первый инструмент поможет продолжить заниматься музыкой и стать настоящим музыкантом, поэтому выбирайте внимательно.
Для некоторых людей теория музыки является пустой тратой времени, но без неё не стать музыкантом. Так как теория является одним из самых важных шагов для того, чтобы играть и сочинять музыку. Музыкальной теории можно обучиться через книги-самоучители или в интернете, хотя намного лучше, если у вас будет учитель или вы будете посещать школу.
Кроме того, вы узнаете историю музыки. Будете иметь представление о различных инструментах и произведениях разных композиторов. Слушайте разные стили музыки и обращайте внимание на различные методы и способы игры на музыкальном инструменте.
Если вы хотите быстро улучшить свои способности, весело провести время и, в конечном итоге, стать музыкантом, то вам необходимо играть вместе с другими людьми. Таким образом вы быстрее обучитесь теории музыки и будете меньше скучать, изучая октавы и аккорды.
Просто наслаждайтесь тем, что вы делаете!
Хотя вы можете играть на слух, но гораздо лучше, если вы можете читать ноты. Многие, ныне известные личности, прежде чем стать музыкантом, прошли тот же самый путь. Узнайте все ноты на фортепиано и практикуйте их, а затем научитесь читать их с листа и играть вместе.
Не беспокойтесь о том, что инструмент дорого стоит. Вы можете взять его в аренду или купить более простой вариант для начинающих (даже успев стать музыкантом, многие продолжают играть на инструментах бюджетной серии). Не нужно покупать рояль, чтобы научиться играть на нем - это может быть недорогой синтезатор.
Вы можете найти в комиссионных магазинах. Если у вас есть друзья, у которых есть музыкальное образование, попросите, чтобы они пошли с вами и помогли вам выбрать хороший инструмент.
Хорошо, если вы злитесь - это часть процесса обучения.
Практика, практика и еще раз практика.
Учитесь у тех, кто умеет играть на этом инструменте. Вы можете сэкономить деньги, не беря уроки, но, в конечном счете, наставник может существенно ускорить процесс становления вас, как музыканта.
Если у вас хорошая скорость подключения к Интернету, то вы можете зайти в Google и сделать поиск по словосочетанию «Научиться играть на..., видео». Или поищите то же самое на YouTube.
В дополнение к репетитору, вы можете купить книги и учиться по своему усмотрению.
Думайте музыкально. Это, наверное, одна из самых трудных вещей, которые вы можете сделать, но это необходимо, для того, что бы стать музыкантом! Вы должны знать все ноты, которые вы играете. Иногда люди запоминают 10 страниц музыки и играют их без ошибок (на слух), не имея ни малейшего понятия, что они играют. Практикуйтесь, и вы также сможете это сделать.
Принимайте участие в программах музыкальной школы, организуйте группу, будьте частью музыкального сообщества. Наслаждайтесь музыкой!
Никогда не сдавайтесь, если кто-то называет вас «ботаником», играющим на 5 инструментах. Музыка является одной из лучших форм искусства, и вы не должны откладывать ее в сторону. Помните о свое цели - стать музыкантом.
Противопоказания: старайтесь не «ненавидеть» чуждые вам типы музыки. Цените их все (или, по крайней мере, терпите их).
1-го октября во всем мире отмечается Международный день музыки.
Он был учреждён в 1973 году по инициативе Международного музыкального совета – международной неправительственной организации, объединяющей профессиональные и любительские музыкальные организации всех стран. Целью этого Дня стало «распространение музыкального искусства во всех слоях общества и реализация идеалов мира и дружбы между народами, развития культур, обмена опытом и взаимного уважительного отношения к эстетическим ценностям друг друга». В нашей стране Международный день музыки стал праздноваться стараниями знаменитого композитора Дмитрия Шостаковича с 1996 года.
«Любите и изучайте великое искусство музыки: оно откроет вам целый мир высоких чувств, страстей, мыслей. Оно сделает вас духовно богаче, чище, совершеннее. Благодаря музыке, вы найдёте в себе новые, неведомые вам прежде силы. Вы увидите жизнь в новых тонах и красках».
Дмитрий Дмитриевич Шостакович
(1906-1975) – выдающийся российский композитор, пианист, педагог и общественный деятель, один из крупнейших музыкальных деятелей XX века. Автор знаменитой «Ленинградской симфонии», которая прозвучала в блокадном Ленинграде 9 августа 1942 года. Исполнение симфонии стало важным событием в жизни жителей нашего героического города.
Абсолютный слух – вовсе не «самый лучший» слух, как иногда думают, а один из многих видов музыкального слуха. Это врождённая способность человека как бы «слышать нотами». Когда обладатель такого слуха слышит мелодию, он автоматически слышит или, скорее, видит ряд нот, из которых эта мелодия состоит. Вот и все. Многие музыканты вообще считают абсолютный слух вредным, так как он может плохо влиять на развитие других видов слуха и затруднять процесс наслаждения музыкой. Нет ни одного человека, который бы обладал блестящими музыкальными способностями во всех областях музыки. Кто-то легко может распознать фальшиво исполненную мелодию. Кто-то сразу может понять: на каком инструменте играют музыку. У кого-то чувство ритма работает не хуже секундомера. Все эти способности развиты у разных людей по-разному. Так что не стоит нам завидовать обладателям абсолютного слуха, и вообще – не стоит завидовать. Мы все разные, с разными способностями, и это хорошо.
Может. Человек, когда говорит неправду, неосознанно меняет тембр своего голоса, причём контролировать он это почти не может. Музыканты, хорошо различающие звучание разных музыкальных инструментов, слышат эту «фальшивую интонацию». Очень хорошо такой вид слуха развит у преподавателей театральных вузов. Не зря же знаменитый театральный режиссёр Станиславский повторял свою не менее знаменитую фразу: «Не верю!» Он не верил именно фальшивой интонации речи актёров. Надо будет спросить у актёров и разведчиков, как они тренируются!
Когда мы говорим или поём, звук к нам в ухо попадает двумя путями: через воздух и через кости черепа. В результате мы слышим эдакую смесь двух звуков. Человек привыкает к такой смеси, к звуку своего голоса, и считает его нормальным. Когда же он слушает свой голос в записи, он слышит только те звуки, что идут через воздух. Поэтому он считает свой голос (напрасно!) «неестественным». Кстати, любая запись, даже очень хорошая, всегда менее богата, чем живое звучание. Отчётливо слышны только средние частоты звуков, а все остальные – низкие и высокие, которые человек тоже замечательно слышит, «обрезаются» или искажаются. А слушать музыку в наушниках, особенно в тех, что вставляются в ушной канал, маленьких таких, вообще опасно. Создаётся очень большое давление на барабанную перепонку. От этого постепенно, но довольно быстро, наше ухо начинает глохнуть. В общем, старайся слушать музыку «вживую», особенно ту, где у инструментов тембр особенно богат – скрипку, альт, виолончель.
Это очень простой вопрос. И, одновременно, как и всякие хорошие вопросы, очень сложный. Нет одного человека, который придумал автомобиль. Кто-то придумал колесо, кто-то способ соединения колёс в повозку, кто-то двигатель автомобиля. И таких людей было очень, очень много за всю историю человечества. Такая же ситуация и с нотами. Люди с древних времён пели. Мама пела ребёнку колыбельную, были ритуальные песни и танцы перед охотой, войной. Все эти мелодии, песни, музыка или сочинялись на ходу или передавались от одного человека к другому устно, на слух. Но потом, постепенно, люди захотели передавать музыку, песни более точно. Тогда-то и появились первые попытки записать звуки знаками. Вначале просто отмечали, куда идёт мелодия – выше или ниже. Такие пометки назывались «нéвмы» и использовались в Европе, Византии, на Руси, в Армении и других местах. Вот как они примерно выглядели.
На фото – армянские невмы из рукописи XII века.
Но, как мы понимаем, такой способ описания мелодии не очень точен. Выше какого-то звука может быть множество звуков. И ниже тоже. В XI веке в Италии, в городе Арéццо жил монах Гвидó. Звали его, естественно, Гвидо д’Ареццо, Гвидо из города Ареццо. В монастыре Гвидо обучал мальчиков пению. Каждое утро они начинали с распевки. В качестве распевки они использовали «гимн святому Иоанну». Слова гимна для нас тоже имеют значение. Хоть ты и не знаешь итальянского языка, я все равно приведу текст гимна, это интересно. Многие буквы ты узнаешь. Это гимн-молитва о том, чтобы Святой Иоанн (покровитель пения) помог звучать голосам певчих, которые будут восхвалять Господа, восхвалять без хрипоты. Каждую строчку гимна мальчикам нужно было петь чуть выше предыдущей. Но они путались и фальшивили. Потом плакали. Чтобы помочь своим ученикам запоминать мелодию, Гвидо решил записать высоту звуков на бумаге, дав каждому звуку название. Так можно было петь, подглядывая в шпаргалку.
Первые слоги каждой строчки первого куплета гимна Гвидо разместил на четырёх линеечках – в виде квадратных значков. Четыре линейки использовались как ступеньки, а на них, как на лесенке, располагались квадратные значки-ноты, каждая из которых соответствовала звуку определённой высоты. Гвидо использовал красные, черные и жёлтые линеечки для размещения нот. Он создал для детей понятный и наглядный музыкальный алфавит. Теперь имя Гвидо Аретинского знают все музыканты мира.
Памятная доска на доме, в котором жил Гвидо.
Со временем, вплоть до настоящего времени, нотная запись Гвидо совершенствуется. Все линейки и значки рисовали черным цветом, значки стали круглыми, добавили пятую линейку на нотном стане и палочки, обозначающие длительность нот. Многое изменилось. Но название основных нот (до, ре, ми, фа…) сохранилось по сей день. Спасибо тебе, Гвидо!
Современная нотная запись.
У разных инструментов – фортепиано, органа, гитары, барабанов и других – нотная запись выглядит по-разному. Конечно, есть своя специфика, например, на барабане стучать – это вам не гимны петь! Но это мы с тобой говорили про Европу. В Китае, например, 12-нотный музыкальный звукоряд Люй-Люй сформировался за несколько тысяч лет до нашей эры, задолго до создания европейского. Система нотной записи во времена Конфуция (VI век до нашей эры) была очень богатой, она не ограничивалась лишь информацией о высоте звука и его длительности, как принято сейчас, а указывала, как нужно брать звук, какой тембр и громкость звука должны быть и много других параметров. Были свои способы записи нот и в Индии, и во многих других культурах. Об этом можно долго рассказывать. Лучше, если ты подрастёшь и сам прочитаешь о замечательной культуре Китая, Индии, Японии, древней Греции и других прекрасных мест.
Правда. Например, у арабов 17 нот. У индийцев целых 22 ноты. Древние индийцы считали, что звучание музыкальных инструментов должно быть очень схожим с человеческим голосом, возможно, поэтому в индийской музыкальной культуре так много нот. А в китайской – всего 5 основных нот. Число «пять» китайцы считают священным: у них пять основных планет, пять стихий, пять вкусов, цветов, органов чувств… Музыка в Китае всегда считалась делом государственной важности. При императорском дворе было целое музыкальное «министерство». Из числа известных музыкантов назначались чиновники, которые ездили по стране и настраивали все музыкальные инструменты. Китайская музыкальная традиция насчитывает несколько тысячелетий, возможно, она самая древняя в мире. Да, кстати, «у нас» вовсе не семь нот, а 12 – посчитайте количество клавиш на рояле в пределах одной октавы: семь белых и пять чёрных!
Для начала вспомним, как вообще выглядит клавиатура фортепиано, пианино, рояля. У рояля 88 клавиш и они разбиты по октавам. В каждой октаве есть ноты: До, Ре, Ми, Фа, Соль, Ля и Си. Ноты называются, например, так: Ля первой октавы или Фа контроктавы. Все это относится к белым клавишам рояля. Черные клавиши более узкие и находятся чуть дальше и чуть выше белых. Кстати, не всегда они были черными. Раньше иногда красили белые клавиши в черный цвет, а черные делали белыми. Но сейчас мы привыкли именно к такому виду. От До одной октавы до До следующей октавы добавлено ровно 12 клавиш: 7 белых и 5 черных. Можно было бы сделать 6 белых и 6 черных, музыка была бы та же самая. Эти 12 клавиш в одной октаве позволяют нам играть практически любую музыку. На скрипке нет клавиш, но на ней музыканты играют точно по тем же 12-ти нотам в пределах одной октавы. Разбивка на белые и черные клавиши носит условный характер, так сложилось. А почему так сложилось? Всё дело в том, что наша европейская музыка является развитием древнегреческой, пифагорейской музыки. Пифагор в VI веке до нашей эры обратил внимание на связь между звуками и математическими величинами и придумал музыкальный строй, набор звуков, с помощью которого было бы удобно играть музыку – 7 звуков в пределах октавы, что приблизительно соответствуют нашим семи белым клавишам на пианино. Но играть по 7-ми нотам вовсе не обязательно. Китайцы играли по 5-ти нотам (пентатоника), арабы по 17-ти, индийцы по 22-м. Просто нам так привычнее, и все. Вот из-за привычки играть по 7-ми нотам и образовались семь белых клавиш рояля. Но расстояние между белыми клавишами получилось неодинаковым. Между До и Ре – один тон, между Ми и Фа – полтона. Чтобы у нас была возможность играть в любых тональностях, начинать нашу музыку с любой ноты, нужны дополнительные клавиши между белыми, там, где расстояние между ними большое, тон. И получилось 5 дополнительных черных клавиш. Но, повторюсь, разбивка эта не имеет почти никакого значения. На гитаре, скрипке, арфе, флейте таких разбивок нет, а музыку на этих инструментах можно играть не менее замечательную, чем на фортепиано.
На фото – небольшой участок клавиатуры рояля – октава.
Давай попробуем поразмышлять вместе. Конечно, никто не знает, какой музыкальный инструмент был самым первым. Когда он появился, ещё не было музыки, не было и специальных инструментов для проигрывания музыки. Поэтому люди использовали подручные средства, то, что лежало рядом. Что находится ближе всего к человеку? Сам человек. И вот человек использовал сам себя в качестве музыкального инструмента. Он пел, кричал, цокал и издавал самые разнообразные звуки, подражая звукам природы и голосам птиц и зверей. Вторым инструментом был, скорее всего, барабан или просто ударные инструменты. Можно было стучать маленькой косточкой мамонта по большой кости белки, ритмично. Вот и получался ритм, получалась музыка. Третьим видом инструментов были, видимо, духовые инструменты, всякие дудочки, рожки и флейты. Согласно греческой мифологии, первый музыкальный инструмент - пастушью дудку - изготовил бог Пан. Однажды на берегу он, играя с трубкой тростника, выдохнул сквозь тростник и услышал, как его дыхание, пройдя по стволу, произвело печальный звук. Он разрезал ствол на неравные части, связал их вместе, и вот уже у него был первый музыкальный инструмент! Он называется «флейта Пана».
Пан со своей флейтой. Иллюстрация из книги «История Греции для мальчиков и девочек», 1910-е годы.
Лира Орфея, четырёхструнный музыкальный инструмент, была очень популярна в древней Греции. Может быть, там её и придумал какой-нибудь грек. Но сейчас археологи считают, что первые струнные музыкальные инструменты, маленькие арфы, были созданы в Междуречье, на территории современного Ирана. Их возраст около четырёх тысяч лет. В Китае же, согласно легенде, Жёлтый император Хуан Ди четыре тысячи лет до нашей эры создал первый музыкальный строй и первые музыкальные инструменты. Две птицы, фениксы, самец и самка, понадкусывали стебли бамбука в нужных местах и создали 12 флейт с разными звуками. Создали первую гамму, шесть мужских нот и шесть женских. Потом Хуан Ди приказал отлить колокола со звучанием таким же, как у флейт. Археологические находки в Китае также говорят о том, что первые флейты и первые колокола были созданы за тысячи лет до нашей эры. А вообще, все музыкальные инструменты хороши. Нужно только уметь на них играть. Можно изобразить отличный ритм даже на крышке школьной парты или на лысине дедушки.
Жан-Луи Дусис. Орфей и Эвридика, 1826 год.
На протяжении всей истории человечества люди придумывали великое множество всяких музыкальных инструментов. Все они были очень разными, и ударные, и духовые, и струнные. Органы, скрипки, лютни, клавесины, банджо и многие, многие другие. Но все эти инструменты объединяло одно – звук их был естественным, натуральным. Что-то природное, натянутая струна, трубка или колокол звучали сами, нужно было только научиться извлекать из них звук. Но примерно с середины XX века с развитием техники и электроники появились совсем новые музыкальные инструменты. В них не было звучащего объекта, не было ни струн, ни звучащих трубок. В них звук синтезировался. Такие инструменты называют синтезаторами. С помощью этих инструментов, скорее даже компьютеров, можно было создавать любые звуки, самые разнообразные. И похожие на звук рояля, скрипки или саксофона, и даже такие звуки, которых раньше совсем не существовало. А у тебя есть компьютер? А синтезатор? Звук создаётся, синтезируется, а потом через усилитель звука подаётся на акустические колонки, откуда мы его и слышим. Ты такие колонки видел или рядом с компьютером папы, или рядом с телевизором мамы.
Современный синтезатор.
Но многие люди, особенно музыканты (и я в том числе), больше любят звук не от синтезатора, а от живого, настоящего инструмента. И сейчас есть много людей, придумывающих замечательные инструменты, акустические, не электронные, не синтезаторы. Одним из таких увлечённых изобретателей, музыкантов является наш с тобой современник американец Крис Форстер. Он изготовил и сам исполняет музыку на своём инструменте, который называется «Крисалис». Этот инструмент тоже можно назвать самым современным. Вырасти, и создай свой собственный инструмент, который тебе понравится!
Крис Форстер и его «Крисалис».
Ты наверняка видел самые разные музыкальные инструменты, и большие и маленькие. Рояль, орган, скрипку, флейту, барабан. На каждом из них можно сыграть так громко, что уши заложит. Но тебе ведь хочется понять – какой из них самый-самый громкий? Ведь хочется? Ааа… На первый взгляд кажется, что самый большой инструмент и будет самым громким. Это почти совсем так. Почти. Самый большой инструмент – орган. В нем много труб, и больших и маленьких, воздух через них продувается не силой человека, не силой его лёгких, а с помощью электрических моторов. А у них мощность может быть почти любой.
Вот как выглядит орган. Из всех существующих сейчас органов самый большой находится в Атлантик-Сити, в Америке. Вроде бы получается, что он и будет самым громким. Но не все так просто. Мы, люди, низкие, высокие и средние звуки слышим по-разному. Совсем низкие звуки (инфразвук) мы не слышим, даже если их мощность будет очень большой. От них может колыхаться живот, а уши такие звуки почти не слышат.
Орган собора Сен-Этьен (Тулуза, Франция)
.
И совсем высокие звуки мы тоже не слышим, это уже не звук, а ультразвук. А лучше всего мы слышим звуки, находящиеся в верхнем регистре рояля, в правой части клавиатуры. Такие звуки соответствуют частоте в 2,5-3 тысячи Герц. Вот эти-то звуки мы слышим очень хорошо, даже слишком хорошо. И мощность звука на такой высоте для того, чтобы оглушить нас, нужна в тысячи раз меньше, чем у низких звуков труб органа. Таким частотам соответствует маленькая флейточка, называемая пикколо. Несмотря на то, что человек не может дудеть в неё с такой же силой, как орган, мы воспринимаем звуки этой флейты как очень громкие. Можно сказать, что это самый громкий музыкальный инструмент, и опять мы будем правы. Но это я говорил про акустические музыкальные инструменты. Есть ведь ещё электромузыкальные. В таких инструментах звук синтезируется компьютером и передаётся через усилитель на акустические колонки. Для таких инструментов практически нет ограничений по громкости, звук можно сделать любой громкости. На стадионах во время рок-концертов иногда звук бывает таким громким, что птицы облетают стадион за километр. Да и людям несладко приходится, и летают они неважно. А если немного пофантазировать, то самый громкий музыкальный инструмент у нас в Солнечной системе – это наше Солнце. На его поверхности возникают огромные пузыри, поверхность Солнца кипит. И от этого рождается звук такой силы, что если бы мы находились в атмосфере Солнца и не умерли бы от жары (а там довольно тепло, несколько тысяч градусов), то точно бы умерли от страшного грохота.
Музыкант играет на флейте пикколо.
Самый простой ответ на твой вопрос – потому, что на разных инструментах играют разную музыку. Но давай посмотрим чуть подробнее. В древнегреческом музыкальном инструменте Орфея (лире) струны были «свободными». То есть их никак не пережимали во время игры. Сколько струн у такого инструмента – столько и музыкальных звуков можно с их помощью извлечь. Но уж очень много все равно не получится. Вот в этих инструментах и их потомках и делали разное количество струн – столько, сколько нот хочется сыграть. Наверное, самый богатый инструмент из этого ряда – современная арфа. В ней очень много струн, около 46-ти. И на ней играть непросто. Зато звук красивый и можно сыграть любую мелодию, какую захочешь. Сколько струн, столько и нот, например, у фортепиано и рояля.
Школьник играет на арфе на Международном детском музыкальном фестивале в Колумбии.
Если же параллельно струнам поместить какую-нибудь дощечку, то струны можно к ней прижимать, укорачивать звучащую струну. А более короткая струна будет звучать выше, чем свободная. Таким образом, можно извлекать звуки почти любой высоты. Такое простое приспособление – дощечка, параллельная струнам, гриф – очень сильно обогатило музыкальную культуру. Если раньше нам приходилось для каждого нового звука делать свою струну, то теперь модно просто пережимать её в нужном месте и всё. В принципе, для одноголосной мелодии достаточно и одной струны. И такое бывало в истории. Самый известный однострунный музыкальный инструмент – монохóрд, с ним производил музыкально-математические опыты Пифагор. На Руси играли на смыке, похожем на лук, и так далее. Но все же одна струна – это скорее экзотика.
Старинные монохорды в Берлинском музее музыкальных инструментов.
На одном из самых древних струнных музыкальных инструментов, китайской цитре Цинь, рождённой за многие тысячелетия до нашей эры неким китайцем, возможно, его звали император Хуан Ди, было 5-7 струн. Техника игры на ней очень сложна. Это было и остаётся настоящим искусством. Одним из больших мастеров игры на Цинь был древний мыслитель Конфуций. На древних струнных музыкальных инструментах играли, в основном, мелодии. И играли их не по всем существующим сейчас в гамме 12-ти нотам, а по семи, как было принято в Греции, или по пяти, как в Китае, или по 7+15-ти, как водилось в Индии. Аккорды, к которым мы сейчас привыкли, вообще не брались. Когда же музыкантам захотелось брать сложные аккорды, родились инструменты, похожие на современную гитару и новые музыкальные строи. С грифом и порожками. В ней делалось столько струн, чтобы аккорды, которыми сопровождалось пение, звучали красиво. Обычно хватало шести или семи струн. На бас-гитаре аккорды не берутся, там играют отдельные ноты. И хватает четырёх струн, очень толстых. Когда же появился современный музыкальный строй с 12-ю нотами (расстояние между соседними нотами у которых одинаковое), музыканты стали играть музыку в разных тональностях, переносить музыку выше или ниже. Такая музыка уже требовала других инструментов, где легко было бы брать любую ноту. Классическим вариантом такого инструмента является рояль. В нем ноты (клавиши) расположены подряд. В октаве 12 нот и октав несколько. Вот и получается у рояля очень много – 88 – струн (точнее, струн немного больше, есть двоенные и строенные одинаковые струны, для увеличения громкости звуков). Возвращаясь к началу разговора: для разной музыки нужны и разные музыкальные инструменты. И разное количество струн. Вот так.
«Слушающие цинь». Рисунок китайского императора Чжао Цзи, XI век.
Перефразируя твой вопрос, можно спросить: почему от крыльев шмеля в полёте исходит низкий звук, а от крыльев комара – высокий? Что такое звук? Это звуковая волна. Помнишь волны на озере? Вот и в воздухе есть такие же волны, только их не видно. Поэтому и звука не видно. Зато слышно. На озере были большие волны и мелкая рябь, совсем маленькие волны. У длинных, больших волн не часто сменяются гребни и впадины на воде, а у коротких волн – часто. У волн на озере меняется высота, а в воздухе меняется давление. Учёные даже придумали специальное название – частота волны. Попробуй помахать рукой туда-сюда. Скорее всего, за одну секунду ты сделаешь движение раза три-четыре. Это означает, что ты создал звуковую волну с частотой 3–4 Герц. Герц – международная единица измерения частоты периодических процессов (например, колебаний). Она названа в честь немецкого учёного-физика XIX века Генриха Герца. Одно колебание в секунду – один Герц; обозначается так: 1 Гц. Если 200 раз в секунду – то 200 Гц, все просто. Правда, мы с тобой не сможем махать руками так часто – 200 раз в секунду. Ты заметил, что созданные тобой волны мы не слышим? Наше ухо устроено так, что мы не все звуки природы можем слышать. Ниже 20 Гц (очень низкий звук, еле слышный гул) не слышим и выше 20 тысяч Гц (очень высокий писк) – тоже не слышим. Его слышат только дети, вот ты слышишь. А взрослые уже выше 12–15 тысяч Гц звуки не слышат. На то они и взрослые. Итак, ты можешь махать руками 3–4 раза в секунду, с частотой 3–4 Гц. Шмель машет крыльями чаще – 200 раз в секунду. А комар ещё чаще – 500 раз в секунду. Чем выше частота, тем более высоким получается звук. Шмель машет крыльями относительно медленно, и мы слышим низкий звук, басовитое жужжание. А комар машет крыльями быстро, и мы слышим высокий звук, писк. Птицы же машут крыльями, как и люди рукой, медленно – меньше 20 раз в секунду. Вот мы и не слышим, как они летают. Мы же не можем слышать звуки ниже 20 Гц. Но есть особенные птицы, очень маленькие – колибри. Они могут махать крыльями 80 раз в секунду, создавая звук с частотой 80 Гц. И этот звук мы замечательно слышим – такой низкий, гудящий звук, похожий на звук полёта шмеля или толстой зелёной мухи.
Шмель в полёте.
В Средние и не очень средние века англичане, которые плавали в тумане на кораблях вокруг своей Великой Британии, ничего не видели вокруг, как не сложно догадаться. Они отплывали подальше от берега, чтобы не врезаться в камни, но тогда они могли врезаться в другой английский корабль. Нужна была сирена. Сирен не было. Зато были свиньи, которые, если покрутить им хвост, издавали пронзительный визг. Его-то и улавливали чуткие уши англичан, находящихся на другом корабле, скрытом в тумане. Английские свиньи верещали, да и сейчас верещат, высоким звуком приблизительно одной частоты. Звуки примерно четвертой октавы рояля, с частотой 2-3 тысячи Гц. Почему свиньи такие полезные? Ведь можно крутить хвост и быку, чтобы он мычал. Или заставить корабельного юнгу кричать в рупор: «К вам приближается новый объект». Нет. Свиньи лучше быков и юнг. Чем же лучше? Человек, как ты помнишь, не слышит очень низкие звуки, инфразвук (ниже 20 Гц) и очень высокие, ультразвук (выше 20 тысяч Гц). Значит, где-то посередине должны быть такие звуки, которые человек слышит лучше других. Это абсолютно так же, как и со светом: человек лучше всего видит зелёный и жёлтый свет, инфракрасный и ультрафиолетовый – не видит. Звуки, которые человек лучше всего слышит, как раз и соответствуют высоте звуков, с которыми визжат свиньи, – примерно 2,5 тысячи Гц. Вот и получается, если все звери, включая людей, будут кричать или визжать с одинаковой силой (конечно, это несколько вольное предположение), то выбрать нужно из всех зверей, издающих звуки, тех, которых луче всего слышит человек. Повезло свиньям. Кстати, примерно на такой же, свинячей, частоте (2,5 тысячи Гц) пищат человеческие младенцы. Видимо, это не случайно. Чтобы мама хорошо их слышала. Со временем, когда появились механические сирены, всех английских свиней выпустили на берег, там они теперь и живут.
Со свиньями всё понятно. А теперь немного про оперных певцов. У хороших певцов ярко выражены в их пении самые хорошо слышимые человеком звуки – в диапазоне 2-3 тысячи Герц (верхняя певческая форманта). То есть, на эту область частот приходится бóльшая часть энергии звука, по сравнению с не-оперными певцами, поющими для себя или для соседей в ванной комнате. Именно этому и обучают оперных певцов – умению закачивать в область 2-3 тысячи Герц энергию звука, чтобы слышно их было хорошо, даже на фоне симфонического оркестра. Впрочем, учат их не только этому – например, итальянскому языку, каллиграфии, массажу ушей и многому другому. Звук голоса людей, у которых ярко выражена именно «верхняя певческая форманта» – звонкий, «летящий», «звенящий». Такие голоса были у пионеров и у Шаляпина.
Само слово «рок» – английское, на русский язык переводится, как «качать», «укачивать». Но рок-музыка – это не колыбельная, под неё сложно заснуть. Но почему же её так назвали? Рок-музыка – это такое общее название для многих видов современной музыки. Произошла она от блюза. А блюз родился в Америке, он вобрал в себя и негритянскую музыку, и европейскую. У блюза был необычный для европейского уха ритм, такой – качающийся. Сильные доли музыки приходились не на первые доли, а на вторые, это придавало необычное дыхание музыке. Но главное, что было в этой музыке – это ритм. Ритм в классической европейской музыке всегда играл не первую роль, а второстепенную. Здесь же он стал одним из самых главных элементов. Из блюза родилась первая рок-музыка – рок-н-ролл. Ритм рок-н-ролла стал ещё более жёстким. Такая музыка очень энергична, под неё хочется танцевать, кричать, веселиться и шуметь. Если ещё больше внимания уделить ритму, то в составе инструментов музыкальной группы должны быть бас-гитара и ударная установка – тогда получится уже «тяжёлый рок», или как его ещё называют, «хард-рок». Как ты понимаешь, на ударной установке и на электро-гитаре невозможно играть тихо. Такая музыка была очень громкой, её исполняли на стадионах и на больших открытых площадках. Многим классическим музыкантам эта музыка не нравилась, ведь поведение людей при прослушивании такой музыки совсем было не похоже на поведение людей в филармонии и консерватории, где люди сидят тихо, и молча слушают музыку. А на рок-концертах люди танцевали, кричали, пели, вели себя шумно. Из этого, конечно, не следует, что рок музыка плохая. Как и любая другая музыка, она может быть и хорошей и плохой. Группы «Куин», «Лед Зеппелин», «Дип Пёрпл» и многие другие состоят из замечательных, талантливых музыкантов. Но есть, конечно, много и бездарных коллективов, которые просто создают шум, очень громкий шум, на пределе слышимости, на пределе болевого порога человека.
Из «тяжёлого рока» родилось ещё несколько направлений: хеви-метал, глэм-метал. Это «ещё более тяжёлый рок». Музыканты таких групп играли очень громко, часто мелодия и слова угадывались с трудом. С музыкальной точки зрения такие группы не очень интересны. Термин «рок» очень широк. Иногда к такой музыке относят и музыку «Битлз», достаточно мелодичную, с незамысловатыми словами. Прекрасного композитора Эндрю Ллойда Уэббера тоже иногда называют рок-композитором. Он сочинял совсем разную музыку, от знаменитой рок оперы «Иисус Христос – суперзвезда» до мюзикла «Кошки». К рок-музыке относят и очень сложную, непростую музыку «Кинг Кримсон» и панк-рок, где почти не улавливается мелодия. Короче говоря, тяжёлый рок – это музыка «Лед Зеппелин», «Дип Перпл» и их ближайших последователей. А музыка их предшественников – «Битлз», «Роллинг Стоунз» или далёких последователей, вроде группы «А-Ха» – гораздо более «лёгкий рок».
Группа «Лед Зеппелин», одна из основательниц «тяжёлого рока». 2007 год.
Непросто ответить на этот вопрос. С чего бы начать? Ну, давай начнём с истории. Вплоть до V века до нашей эры острова Японии были заселены рыбаками и земледельцами. Примерно с этого времени в Японию начинает просачиваться культура Китая, появляется конфуцианство, потом буддизм, развивается искусство, музыка, театр и многое-многое другое. Самая древняя японская музыка, которую я знаю, это музыка «гагáку». Это не народная японская музыка, а императорская, ритуальная, проникшая из Китая. Музыка не простая, нам сейчас её слушать не очень привычно. Больше всего мне нравится звучание флейты фуэ. Совсем не похожая на современную, эта музыка создана не для удовольствия. А сейчас почти вся музыка, которую мы слушаем, пишется для того, чтобы мы получили удовольствие. В древние же времена в Японии игра на флейтах фуэ служила для совсем других целей – для дзен-буддистских медитаций в сопровождении музыки. Японцы говорили: «Играя на фуэ, видишь невидимые сферы, во всей Вселенной - только одна песня». Такой подход не похож на современный европейский, но очень похож на индийский. То есть, суть такой музыки – не получение простого удовольствия, а духовная практика, способ развития своих творческих способностей. Медитативные практики были очень длинными и требовали спокойствия. И музыка нужна была такая же – длинная и настраивающая на созерцание. В Индии примерно такая же история с музыкой, как и в Японии, в Китае. Музыка там всегда считалась лишь частью учения о здоровье человека, физического, психического и духовного. С помощью занятий йогой и музыкой человек старался достичь духовного просветления. Так считали древние индийцы. Да и современные индийцы многие так полагают. Другие задачи, другой настрой, вот и музыка рождается другая. С непривычки такая музыка кажется очень длинной, монотонной. А, может, и впрямь она очень длинная и монотонная – по сравнению с популярной эстрадной или даже классической, академической. Музыка Моцарта или квартета «Битлз» порождает в нас множество самых разных эмоций, она кажется нам более энергичной, более содержательной и интересной, чем старая японская музыка. Уверяю тебя, японская традиционная музыка ничем не хуже, чем древнегреческая музыка, чем музыка классиков: Гайдна, Моцарта, Бетховена, Прокофьева. Просто она другая, медитативная, настраивающая на одну волну.
Музыкант играет на старинной японской флейте.
Кажется, что это очень сложный вопрос. На самом деле он очень простой. И, как ни странно, музыка здесь вообще не причём. Если ты хочешь заниматься чем-то в жизни серьёзно, стать профессионалом, специалистом в своём деле, то этим можно лишь начать заниматься – а закончить уже невозможно. Музыканты учатся всю свою жизнь: у своих учителей, самостоятельно, у своих учеников. И учёные всю жизнь учатся, очень часто учатся у своих учеников. Ты думаешь, твоя учительница в школе не учится у вас, детей? Ещё как учится! И не ясно, кто больше получает на уроках – вы или она. Помнишь, как сказала Алиса у Льюиса Кэрролла в «Алисе в стране чудес»: «Нужно бежать со всех ног, чтобы только оставаться на месте, а чтобы куда-то попасть, надо бежать как минимум вдвое быстрее!» Это как раз про учёбу. А если серьёзно, то, чтобы начать получать удовольствие от игры на музыкальном инструменте, например, на рояле, нужно заниматься минимум 2-3 года. Тогда тебя перестанет раздражать твоё неумение извлекать приличные звуки из инструмента, и ты сможешь играть не очень сложные технически (но от этого не менее замечательные) музыкальные произведения. Чем больше ты будешь учиться музыке, чем лучше станет исполнительская техника, чем глубже ты поймёшь разных композиторов, тем большее хорошей музыки ты сможешь исполнить. А может быть – и сочинить что-нибудь своё. Это тоже здорово. То, что в средней музыкальной школе музыке обучают 8 лет, в музыкальном училище 2 года, в консерватории 5 лет – ничего особенно не означает. Это условности. Но в любом случае до приличного профессионального уровня музыкой нужно заниматься не менее 10-15 лет подряд и очень напряжённо. Зато потом какое счастье! Какая свобода! Целый мир! Не жалей времени для занятий музыкой!
«В траве сидел кузнечик…»
Можно. И нужно. Известно, что у головного мозга множество разных областей, есть и две половинки, и работают они по-разному. Одни участки мозга отвечают за логическое мышление, другие – за образное, третьи – за эмоции и так далее. Когда ребёнок учится музыке и сам музицирует, в его мозге строятся многочисленные «мостики» между разными участками мозга (синаптические связи). Эти мостики он успешно использует и при занятиях другими видами деятельности, и потом во взрослой жизни. Можно сказать, что «музыка тренирует мозг». Такой ребёнок легче решает задачки, где требуется найти какие-то необычные решения. Очень многие, почти все талантливые учёные, придумавшие что-то действительно новое, сами играли на музыкальных инструментах, любили музыку.
Все великие взрослые музыканты были когда-то детьми. Может быть, они были в своё время и великими маленькими музыкантами, но это вряд ли. За всю историю известно не так много великих музыкантов, которые проявили бы выдающиеся способности в раннем детстве. Обычно они долго трудились и развивали свои природные данные. Самый известный музыкант, способности которого проявились очень рано, это, конечно, Моцарт. Он сочинял музыку и виртуозно её исполнял уже в четыре года. Со временем его талант только креп, пока Моцарт не умер. Потом уже не креп. Вундеркиндом был также и Ференц Лист. И сейчас есть очень способные музыкальные дети. Американская девочка Джеки Иванко, певица-сопрано, уже в двенадцать лет поёт очень сложные арии, выступает на огромных сценах. Есть музыканты-вундеркинды сейчас и в России, в Китае и во многих странах. Но, чаще всего, неизвестно почему, из таких детей редко вырастают великие музыканты. Хорошие – да. Где-то они останавливаются в своём развитии. Скорее всего, такие дети просто очень быстро развиваются, а скорость здесь – не главное.
Так как маленькому человеку стать великим музыкантом? Прежде всего, стоит подумать хорошенько – а хочешь ли ты стать великим музыкантом? Ведь жизнь у них очень сложная. Они постоянно переезжают с места на место, колесят по всему миру, живут в гостиницах, у них нет дома, они редко общаются с друзьями и родными, им просто некогда. Это очень тяжёлая работа, тяжёлая жизнь. Ну, допустим, ты все же решил стать великим музыкантом. Тогда тебе следует сходить в хорошую музыкальную школу или консерваторию и проверить свой слух, свои музыкальные способности. Если способности оценят высоко – хорошо, это следующий шаг, можно двигаться дальше. Но если их оценят не очень высоко – это ещё ничего не значит. Приведу лишь один пример. Выдающегося дирижёра Валерия Гергиева в детстве несколько раз изгоняли из разных музыкальных школ за «полное отсутствие способностей». Что не помешало ему стать действительно великим музыкантом, просто он был настолько не похож на стандартных детей, что его способности обычные учителя музыки не могли правильно оценить. Правда, это, скорее, исключение из правил.
Итак, у тебя нашли хорошие музыкальные способности. Теперь нужно найти хорошего учителя музыки. Но не просто хорошего, а подходящего тебе. И чтобы ты учителю подходил. Ведь вам предстоит проводить очень много времени вместе в ближайшие десять лет или больше. Может быть, с таким учителем ты будешь проводить больше времени, чем с папой и мамой. В Индии говорят, что выбор учителя, гуру, определяет всю дальнейшую жизнь человека. Ты выбрал учителя. Точнее – Учителя, с большой буквы. А Учитель выбрал тебя. Теперь тебе предстоит долгие годы, каждый день упорно заниматься музыкой под его руководством. Это совсем не простое дело. Ты захочешь и полентяйничать, и поиграть в футбол или в игру на компьютере, тебе не будет хватать времени на многие вещи. Но ты должен будешь упорно заниматься музыкой. Иначе нельзя. То же самое относится и к спорту, и к математике, и к чему угодно. Способности – Учитель – Упорство. Вот так и получаются великие музыканты, великие учёные, великие спортсмены.
И, кстати, не верь, если тебе скажут, что тебе «медведь на ухо наступил». Это опасное заблуждение – считать, что что-то тебе «не дано». Умение петь нефальшиво практически никак не связано с наличием у человека слуха. Просто ему нужно «поставить голос». Это хорошо делают любые преподаватели в хоре или учителя по сольфеджио. Одному нужно тренироваться дольше, другому – меньше. Но получится у всех, при должном усердии. Комплексовать тут нечего. Мы все разные. В идеале очень полезно ориентироваться на известное изречение Иоганна Себастьяна Баха: «Мне пришлось очень прилежно заниматься: кто будет столь же усерден, достигнет того же».
Маленький Моцарт на гастролях с отцом и сестрой.
Конечно, каждая отдельная музыка появляется в голове у каждого отдельного композитора по-разному. И вряд ли я смогу ответить за всех композиторов, ведь я даже и не композитор, хотя сочинять музыку люблю, импровизирую и играю на музыкальных инструментах. Но все же можно какие-то общие закономерности выделить. Скажем, почти у всех композиторов есть голова.
Давай на время забудем о музыке. Возьмём… Ну что возьмём? Например, рисование. Вот тебе не так уж много лет и тебя попросили написать маслом поясной портрет Филиппа Киркорова. Дадут тебе холст, набор красок и скажут – рисуй. Боюсь ошибиться, но, вероятно, Филипп Киркоров будет недоволен полученным результатом. А почему? Скорее всего, получится не очень похоже. А почему? Да потому, что ты ещё не умеешь рисовать портреты. А почему? Потому, что этому нужно долго учиться.
Вначале в художественной школе учат рисовать простые предметы: шары, кубы, гипсовые барельефы. Карандашом или углём. Без цвета. Параллельно изучают строение тела человека, пропорции в природе. Изучают композицию. Свойства красок и лаков. Много чего изучают. И лишь потом, когда ты научился рисовать простые вещи, можно переходить к сложным. Дальше и начинается творчество. Хороший художник постарается схватить эмоцию, впечатление. На хороших портретах видно и то, о чём нарисованный человек думает, какой у него характер. Здесь одной техники рисования не достаточно, нужен талант. Но этот талант не может быть реализован без долгих лет ученичества, без долгой работы над собой.
Такая же ситуация и с композитором, и его головой. Нет такой профессии – композитор. Сначала все будущие композиторы просто учатся играть на каком-то музыкальном инструменте: рояле, скрипке или на барабане. И изучают теорию музыки, историю музыки, учатся петь, изучают звучание различных инструментов. Может показаться, что то, чему их учат, не очень нужно. Но без знаний того, как устроены музыкальные произведения, без знания музыкальной гармонии тяжело даже хорошо исполнять музыку, не говоря уж о том, чтобы её сочинять. Как правило, композиторы перед тем, как сочинять свою музыку, исполняют и изучают чужую, учатся передавать свои эмоции другим людям. А дальше опять включается талант. Это как искра, как неосознанная идея, как образ, который рождается в голове у композитора. Музыка может возникнуть из сна, из яркого впечатления или переживания. Такие образы рождаются, наверное, у всех людей. Но это семечко, эта идея должна упасть на подготовленную почву. Если человек – музыкант, он может сочинить музыку, создать музыкальное произведение. Из такого же образа художник может создать картину, писатель написать книгу, поэт – стихотворение. Это как если бы тебе приснился очень красивый дом или дворец. Обычный человек его забудет, а архитектор может захотеть построить такой дом. Вот тогда-то и требуется ремесло, знание техники строительства.
«Светильник Джека» из тыквы в Хэллоуин.
Дорогие читатели! Присылайте и вы нам свои «наивные» вопросы о музыке! Мы передадим их Алексею Насретдинову и в одной из следующих газет опубликуем его ответы. А пять авторов лучших вопросов получат книжки издательства «Бослен»: «Буравчик на звуковых волнах» и «Буравчик в Греции» с автографом автора.
Стенгазеты благотворительного образовательного проекта «Коротко и ясно о самом интересном» (сайт сайт) предназначены для школьников, родителей и учителей Санкт-Петербурга. Они бесплатно доставляются в большинство учебных заведений, а также в ряд больниц, детских домов и других учреждений города. Издания проекта не содержат никакой рекламы (только логотипы учредителей), политически и религиозно нейтральны, написаны лёгким языком, хорошо иллюстрированы. Они задуманы как информационное «тормошение» учащихся, пробуждение познавательной активности и стремления к чтению. Авторы и издатели, не претендуя на академическую полноту подачи материала, публикуют интересные факты, иллюстрации, интервью с известными деятелями науки и культуры и надеются тем самым повысить интерес школьников к образовательному процессу. Отзывы и пожелания направляйте по адресу: pangea@mail.. Мы благодарим Отдел образования администрации Кировского района Санкт-Петербурга и всех, кто бескорыстно помогает в распространении стенгазет. Отдельное спасибо Алексею Насретдинову за благосклонное отношение к традициям нашего проекта, а также редкое сочетание глубины проработки материала с непринуждённостью стиля изложения.
В Америке есть такая шутка: "Значит вы - автор песен? И в каком ресторане вы работаете? ". Многие авторы, которых сейчас знает весь мир, зарабатывали на жизнь совсем другими вещами, прежде чем к ним пришла известность в музыкальном бизнесе. Все эти годы они находили время, чтобы двигаться по пути к авторскому успеху.
Понятно, что достаточно сложно работать полный рабочий день, поддерживать отношения с друзьями и родственниками, выполнять все обязанности, которые возлагает на нас повседневная жизнь, и вместе с тем, находить время и силы, чтобы писать песни. Но практически каждому автору, который сейчас достиг успеха, приходилось в прошлом совмещать все это.
Если вам не хватает времени, чтобы писать, посмотрите повнимательней, на то, как вы тратите время.
Часы, проведенные перед телевизором, или в Интернет-чатах, или за компьютерными играми, можно потратить на работу над песнями. У кого-то вдохновение может просыпаться утром, тогда можно встать на час раньше, и писать, пока никто еще не мешает, или наоборот, кому-то будут удобнее выделить час перед сном. Вместо того чтобы жаловаться, что вы не смогли найти время, чтобы поработать над песнями, лучше выясните, на что вы его потеряли.
Не стоит влезать в долги, рассчитывая, что вы сможете продержаться, пока вы внезапно не станете сверхуспешным автором; дорога к успеху, скорее всего, займет гораздо больше времени, чем вы можете ожидать. Реалистические прогнозы на будущее помогут вам сохранить правильную перспективу и не потерять надежду в ожидании настоящего прорыва.
Между тем, как у вас появилось желание стать известным музыкантом (диджеем ), автором супер-хитов и достижением этой цели, могут уйти многие годы. Желание достичь поставленной цели и оптимизм - очень важные вещи. Но когда какой-нибудь начинающий автор говорит, что его песня будет во всех хит-парадах и чартах в течение ближайшего года, можно только улыбнуться и сказать ему, что будем надеяться, именно так и случится. Шансы на это также невелики, как на то, что вас дважды ударит молнией в течение одного дня.
Умение писать эффективные песни достигается со временем, такое умение можно сравнить с развивающим учебным процессом. Это похоже на то, как ребенок учится ходить. Ведь для того, чтобы научиться этому, он должен овладеть многими навыками: сначала развивать мышцы, научиться сохранять баланс, научиться еще многому другому, чтобы все эти навыки привели его к первым неуверенным шагам. Некоторые из навыков невозможно изучить сразу - им требуется время, чтобы развиться. То же самое происходит и с авторами.
Советы, которые вы можете здесь найти, помогут вам. Но, если у вас нет исключительного везения, то дорога к успеху будет долгой, со многими препятствиями, разочарованиями и неудачами. Хочется надеяться, что раз вам теперь это известно, вы будете более терпеливы в процессе обучения. Некоторые ныне успешные авторы жили многие годы в состоянии депрессии от неудач, вместо того, чтобы рассматривать свою жизнь как путешествие по дороге к успеху. Существуют тысячи историй о необычайно успешных песнях, которые были записаны и стали хитами лишь спустя много лет после своего рождения.
Преодолевать препятствия на пути к успеху .
Существует неисчислимое количество песен, от которых артисты сначала отказались, но потом записали их и эти песни стали хитами. Иногда песня может быть отклонена, потому что она чуть меньше хороша, чем песни, написанные вашими конкурентами, или потому, что она не вполне подходит для конкретного проекта. Люди, которые ежедневно слушают десятки песен, могут допустить ошибку. Практически у каждого профессионала музыкальной индустрии есть истории (о которых он может и молчать), о том, что он не оценил одну или несколько песен, которые впоследствии стали хитами. Иногда ответ "нет" может обозначать, что вам надо проявить творческий подход и найти другие способы, чтобы вашу песню услышали. A&R какого-то артиста может не оценить песню, но она может понравиться артисту и продюсеру. Может быть, песню оценит директор артиста, или другой представитель компании. Не давайте отказу остановить вас. Возможно, стоит попробовать зайти через другую дверь.
Если бы умение писать хиты было простым и легкодостижимым, то каждый автор писал бы только хиты. Существует много препятствий, которые стоят между начинающим автором и успехом. Иногда самыми главными барьерами являются те, которые мы сами себе создаем. Именно их и труднее всего разглядеть.
Количество навыков, которыми должен обладать успешный автор, может показаться недостижимым. Необходимо не только знать структуры песен, технику написания текстов и мелодий, еще нужна настойчивость, готовность работать не покладая рук, знания по продюссированию демо, нужно найти издателя, узнать многое о музыкальном бизнесе, завести связи, найти единомышленников, и научиться продвигать свои песни.
Хорошие же заключаются в том, что вам не обязательно заниматься всем этим сразу. Составьте список ваших сильных сторон как автора. Включите в него ваши умения по написанию эффективных мелодий и слов, а также такие качества, как настойчивость, желание много работать и возможность профессионально вести авторский бизнес. Когда вы увидите ваши сильные и слабые стороны, изложенные на бумаге, вам будет легче выделить те сферы, на которых нужно сконцентрироваться. Можно выделить одну - две сферы, с работы над которыми нужно сконцентрироваться в первую очередь, потом таким же образом браться за остальные. Также важно разработать план, в котором будут поставлены ближайшие и долгосрочные цели. Не надо себе говорить: "Одна из моих песен станет хитом на всех радиостанциях через три месяца". Этого не произойдет, даже если вы вчера написали великолепную песню. Требуется гораздо больше трех месяцев, чтобы песня была записана, выпущена в коммерческий оборот и поднялась в чартах. Полезнее будет сказать себе, например: "Я буду писать по полчаса пять дней в неделю, особенно концентрируясь на повествовательных текстах, которые привлекут людей вне зависимости от их статуса, и которые будут идти прямо из сердца".
Обычно планы проще строить, чем их придерживаться. Если вам это будет тяжело, найдите со-автора, который поможет вам следовать по этому плану.
Обратите внимание на помехи, которые вы сами себе создаете. Проанализируйте, что вам мешает для достижения поставленной цели, что именно не дает вам потратить время на творческую деятельность и выработать какие-то необходимые навыки, и уничтожайте их одну за другой.
На начальных стадиях вашего развития как автора, лучше всего сконцентрироваться на оттачивании навыков и мастерства. Если вы пишете как минимум год, и у вас есть двадцать готовых песен, вам также нужно начать думать и о коммерческой стороне дела.
Один из основных навыков, необходимых для успеха в авторском бизнесе - это устойчивость перед лицом неизбежных отказов и связанного с ними разочарования. Авторов, которые воплощают свои мечты, от авторов, которые сдаются, отличает то, что они могут превратить свое разочарование от неудач в еще более сильное стремление к успеху. Существует, по крайней мере, тысяча причин, по которым вашу песню могут не взять. Если полученная реакция подразумевает, что вы написали сильную песню, но она не подходит данной компании или артисту, значит вы пока просто не нашли нужного места для своей песни. Но если вы постоянно получаете ответы, что песня не соответствует профессиональным стандартам, или что-то конкретное в ней нужно изменить, тогда вам нужно дорабатывать ее.
По приблизительным подсчетам, доход профессиональным авторам приносят только 5% песен, написанных ими, остальные 95% никогда не становятся коммерчески успешными. Интересно, что для того чтобы стать успешными, авторам с одной стороны нужно вкладывать всю душу в свои песни, а с другой - развивать чувство отстраненности от этих песен, для того, чтобы выдержать разочарование, которое подчас может быть опустошающим. Запомните: ваша ценность как личности не определяется уровнем коммерческого успеха, которого вы достигли как автор.
Вот правильные способы, которые позволяют справляться с разочарованием и становиться еще сильнее:
1. Научитесь извлекать урок из каждого события.
Спросите себя, можно ли найти что-нибудь положительное в этом отказе. Можно ли извлечь какой-то урок - может, что-то нужно изменить в этой песне, или в песнях, которые вы собираетесь написать, или в том, как вы ведете бизнес? Оставайтесь восприимчивыми к конструктивной критике.
2. Увеличивайте свою целеустремленность.
Одни из наиболее успешных людей в любой сфере - это те, кто использует каждую свою неудачу в качестве мотива, чтобы еще больше работать над достижением своих целей. Если вы говорите себе: "Я покажу, насколько хороши могут быть мои песни. Неважно, сколько на это уйдет времени, но я напишу настолько мощную песню, что ее не смогут отклонить," - это гораздо продуктивнее, чем говорить: "Думаю, это доказывает, что я не способен писать песни. Я никогда не достигну успеха".
3. Реально оценивайте свои возможности.
Возможно, вам нужно произвести переоценку своих ожиданий. Может, ваши виды на будущее слишком завышены по отношению к той стадии, на которой вы сейчас находитесь как автор. Если вы пишете всего в течение 1-2 лет, в свободное время, нереально ожидать что ваши песни будут так же хороши, как те, которые были написаны профессиональными авторами, оттачивающими свое мастерство в течение многих лет.
4. Никогда не сдавайтесь (пока вы наслаждаетесь процессом).
Помните, что если пока вы не достигли какого-то конкретного проявления успеха, то мысль об этом не должна препятствовать достижению ваших целей в будущем.
Не каждый автор, который читает эти советы, увидит, как его песни поднимаются на вершины чартов. Некоторые может и увидят. Но каждый автор, который много работает, шлифует мастерство, оставаясь при этом восприимчивым к конструктивной критике, будет продолжать расти и улучшать свои навыки. Нахождение удовольствия в процессе написания песен, чувство удовлетворенности, которое приходит со знанием того, что вы передали ваши мысли так, что они нашли отклик в других сердцах, - это и есть успех. Счастливого вам пути!
